A arte de perseguir

Os relacionamentos são um pouco como as perseguições protagonizadas por detetives particulares e policiais nos filmes. É preciso usar a intuição e seguir seus instintos para encontrar a distância correta e ser bem sucedido.

Já disse aqui que, quando era pequeno, não queria ser astronauta ou bombeiro. Queria ser um detetive. Sempre fui fascinado por essas figuras que, entre muitas outras, tem a habilidade de seguir alguém sem ser visto. Sequências inteiras de clássicos como A Marca da Maldade, Chinatown e O Terceiro Homem são dedicadas a isso.

E, diferente do que os filmes fazem parecer, definitivamente não é algo simples. É uma arte que requer anos para aperfeiçoar. De carro ou a pé, é preciso manter a distância certa entre você e seu objetivo. Chegue perto demais e será descoberto. Se ficar muito longe, vai perder seu alvo de vista. É algo dinâmico e requer uma boa dose de instinto para saber quando se aproximar. E quando observar à distância.

Assim também são os relacionamentos. Leva anos para aprender, normalmente (e infelizmente) na base da tentativa e erro. É preciso conhecer seu parceiro e ter a sensibilidade para reconhecer quando chegar bem perto e quando dar um pouco de espaço. Os riscos aqui também são parecidos. Se não der ao outro espaço para respirar, a relação se desgasta. Se ficar longe demais, perde o contato e corre o risco de, ainda que sem querer, enviar uma mensagem equivocada.

O jogo é esse: respeitar os limites de cada um e encontrar o equilíbrio entre as duas individualidades, o espaço comum. Essa brincadeira de gato e rato ajuda a manter o interesse. Nem sempre é fácil, mas garanto que a recompensa é muito maior do que capturar o suspeito ou desvendar uma trama misteriosa.

Sobre romance, poesia e realidade

Apesar de não ser um leitor assíduo de poesia, sempre gostei desse gênero literário precioso e já até me aventurei por ele algumas poucas vezes.

A poesia transcende a realidade e arranja palavras para criar significados que não existem numa prosa comum. Talvez por isso, tenha se tornado um clichê questionar se a realidade acaba com a poesia. Eu proponho pensarmos no inverso: será que a poesia não acaba com a realidade?

Há algumas semanas, assisti numa sessão dupla, Antes do Amanhecer e Antes do Por do Sol dois ótimos filmes de Richard Linklater. Separados por um hiato de nove anos pra quem assistiu o primeiro filme em 1995, pra mim eles são uma coisa só, contínua. Foi assistindo a esse conjunto que me dei conta do quanto a poesia pode ser destrutiva na prática. Quando me refiro à poesia, no entanto, estou falando de toda idealização, de toda construção romântica, de toda criação de um universo fantástico, de tudo que representa algo mágico e intangível.

Em Antes do Amanhecer, o personagem de Ethan Hawke conhece a personagem interpretada pela encantadora Julie Delpy durante uma viagem de trem na Europa. Tomado por um lampejo de coragem que faz inveja a todos que deixaram um oportunidade passar na vida, Jesse convida Celine para uma aventura: passar a noite juntos, andando sem rumo por Viena, até a manhã seguinte, quando ele voará de volta pros EUA. Ela aceita e os dois vivem uma noite mágica, passeando por uma cidade deslumbrante, se conhecendo, encontrando personagens estranhos e se apaixonando um pelo outro. Ao final da noite, o inevitável acontece e os dois tomam caminhos diferentes, com a promessa de que se encontrarem no mesmo lugar, em exatos seis meses.

Enquanto muita gente esperou anos pela continuação do filme para saber o que aconteceu a Jesse e Celine, esperei minutos para descobrir que os dois não se encontraram seis meses depois. Em Antes do Por do Sol, Jesse está em Paris para divulgar um romance que conta a história que viveu em Viena e Celine acaba encontrando ele. O que parece ser acaso, vai se revelando um encontro premeditado à medida que os dois colocam o assunto em dia e eventualmente confessam um ao outro que nunca tiraram aquela noite de suas mentes. E que não conseguiram ser felizes, em grande parte, por conta disso. O filme, curto, nos delicia com esse reencontro para, mais uma vez, deixar o final em aberto.

Ao final dos dois filmes, fica a pergunta: e se eles não tivessem tido a noite em Viena? A responsabilidade de superar algo tão mágico, tão irreal, tão poético, certamente é grande demais para qualquer um e esmagadora para um relacionamento em que se vivem as pequenas alegrias do cotidiano, mas também os percalços. É impossível se comparar àquela noite. É impossível se comparar à poesia e ao romance. É impossível se comparar à felicidade dos comerciais de margarina (que são, confesso, o meu ideal pessoal de felicidade). Será que a poesia não acaba destruindo a realidade? Será que, sem parte das idealizações românticas e das enormes expectativas que todos carregamos, não seríamos mais felizes no mundo real? Ou será que o mundo real e os relacionamentos não teriam a menor graça sem tudo isso? Se um dia eu tiver a resposta, prometo compartilhar.

Criando conteúdo pra internet

Desde o mês passado, venho trabalhando em um projeto como redator web freelancer. A ideia era lançar alguns blogs e começar a criar conteúdo para uma agência digital. Os dois primeiros blogs que entraram no ar foram o Tomada8 e o #NOPS.

O Tomada8 me deu a possibilidade de escrever sobre duas das minhas maiores paixões: o cinema e as séries de TV. Com posts diversos sobre as produções e

lançamentos do audiovisual no Brasil e no mundo, o site é uma boa pedida pra quem deseja se manter atualizado e saber o que assistir no final de semana na telona ou no horário nobre das noites de segunda à sexta.

Escrever pro #NOPS é simplesmente um exercício de criatividade e tem sido um enorme prazer. Com uma proposta similar ao do site americano The Onion, a ideia do blog é criar notícias fake, seja para criticar, tornar realidade aquilo que gostaríamos que fosse verdade ou simplesmente pra nos divertir lendo as matérias e compartilhando com os amigos mais desavisados.

Além das páginas, você pode encontrar e compartilhar o conteúdo dos dois blogs no Twitter e no Facebook.

Para acessar os sites, basta clicar nos thumbnails que ilustram o post.

Crítica:: A Desbiografia de Manoel de Barros

No dia 14 de Janeiro, apenas quatro dias antes do meu aniversário, tive o privilégio de assistir o documentário Só Dez Por Cento É Mentira - A Desbiografia Oficial de Manoel de Barros numa sessão do Folha Documenta, no Cine Bombril, em São Paulo. Passei as duas últimas semanas entre a correria do dia-a-dia de quem acabou de se mudar e a sensação inquietante de não conseguir encontrar as palavras certas para escrever sobre esse filme. Foi aí que percebi que, se é que aprendi algo com esse filme de título intrigante que conta a história desse fantástico poeta sul-matogrossense, é que não existem palavras certas.

Pra começar, enquadrar o filme em uma classificação é um desafio. Diria que o filme do diretor Pedro Cezar foi classificado como documentário quase que por eliminação. Extremamente criativo, como a figura que retrata, o filme é mais do que isso. Me arrisco a dizer que o longametragem de 76 minutos de duração carrega consigo um pouco da personalidade do recluso Manoel de Barros. O filme é inventivo, lúdico e bem humorado, mas principalmente, não se restringe a nenhum dos paradigmas dos gêneros cinematográficos. Os realizadores se permitiram romper esses limites e esse talvez tenha sido o seu maior acerto.

Mas nem de longe foi o único. Muito pelo contrário. Só Dez Por Cento é Mentira é de um apuro visual fantástico. Ele flerta com a poesia visual sem se tornar hermético e apresenta a obra do poeta como ela foi concebida: pra ser lida, em inserções de texto, sem narração. A impecável direção de arte de Marcio Paes e a belíssima fotografia de Stefan Hess compõem esse ambiente onírico onde o sentido das palavras (e das imagens) é muito menos importante do que elas mesmas. A fotografia, a poesia de Manoel de Barros e as entrevistas são costuradas pela música de Marcos Kuzka, que conduz o espectador sem influenciá-lo demais.

Confesso que não conhecia a poesia de Manoel de Barros. E confesso que, apesar do prêmio de Melhor Documentário conquistado pelo longa no II Festival Paulínia de Cinema, pouco tinha lido sobre o filme. Talvez esses dois fatores tenham tornado essa experiência (por falta de uma palavra melhor) ainda mais interessante. Para um sujeito pragmático como esse que vos escreve, a proposta do poeta de transver o mundo é fascinante. Um sujeito que comparece aos próprios desencontros merece o nosso respeito e admiração. Fui assistir um documentário e acabei levando uma verdadeira lição que me mostrou o quanto enxergamos o universo que nos cerca de maneira pequena e pouco generosa. Assistir a um filme que não só registra a obra de Manoel de Barros, mas que se investe dela e que a incorpora para retratá-la só torna a experiência ainda mais interessante. Só Dez Por Cento É Mentira - A Desbiografia Oficial de Manoel de Barros deveria ser obrigatório para crianças e adultos de todas as idades.

Em tempo, a imagem que ilustra o post está disponível para download no site oficial do filme. A página do Facebook também merece uma visita.

Crítica:: Falta humanidade em Inimigos Públicos

Gosto muito dos filmes de Michael Mann, seja pela estética visual, herdada dos film noir, seja por sua capacidade de dirigir cenas de ação. Mann é o melhor diretor de cenas de tiroteio que já vi e por isso, esperava bastante de um filme de gangsters dirigido por ele. A presença de Johnny Depp, Christian Bale e a ganhadora do Oscar Marion Cotillard também ajudaram a elevar as expectativas em relação ao longa que conta a história real do mais famoso assaltante de bancos da América, John Dillinger. A ação está lá, mas a trama é confusa, demora a engrenar e não conseguiu me conquistar.

A estética de Mann se faz presente no filme. A fotografia de Dante Spinotti é excelente. Visualmente, o filme é interessante pela escolha de enquadramentos menos convencionais e pelo uso da câmera na mão. Esse recurso ajuda a nos inserir na ação, mas o diretor abusa dele e acaba criando uma linguagem moderna demais, que entra em conflito com o contexto histórico do longametragem. Certamente não vai agradar a audiência mais conservadora.

As cenas de ação, entre fugas, perseguições e tiroteios, estão entre os pontos altos do filme e reafirmam essa especialidade de Mann. Não somente ele encena e coordena a ação de modo eficiente, como tem o know how, essencial, diria, de como posicionar as câmeras para tirar o melhor daquela cena. A primeira seqüência do filme e o grande tiroteio entre John Dillinger, Baby Face Nelson e seus comparsas e Melvin Purvis mais os agentes do FBI são exemplos dessa especialidade de Michael Mann enquanto diretor.

Mas, se Inimigos Públicos tem ação e estética convincentes, o que falta mesmo é um roteiro melhor. O próprio Michael Mann, Ann Biderman e Ronan Bennett adaptaram o livro de Bryan Burrough em um roteiro em que falta ritmo e personagens consistentes. Parece que estamos diante de uma seqüência de fatos históricos reconstituídos diante da câmera inquieta do diretor. Fatos esses que por vezes mal parecem estar conectados, a não ser por Dillinger. Não há uma ação dramática que norteie a trama. A grande quantidade de personagens é difícil de acompanhar e mesmo os protagonistas, jamais ganham a importância e profundidade que merecem. Tanto é que em momento algum nos identificamos com eles ou nos importamos com seu destino, já traçado, evidentemente.

Ainda assim, Johnny Depp, Christian Bale e Marion Cotillard fazem o melhor que podem, com Bale se destacando no papel de Melvin Purvis, o homem encarregado de capturar Dillinger, e Depp repetindo com propriedade a irreverência que o marcou em outros papéis de sucesso. O problema é que talvez pelo fato de seus personagens terem sido reais, o espaço para a construção deles tenha sido um tanto limitado. Não deixa de ser irônico a preocupação com a veracidade tê-los deixado falsos na tela grande.

Inimigos Públicos acerta na parte técnica, mas peca pela falta do componente humano, o que faz com que você assista a mais de duas horas de filme sem se comover ou se importar com mais nada, a não ser com aquele belo enquadramento ou a adrenalina e realidade das cenas de tiroteio, executadas com maestria por um diretor competente com 100 milhões de dólares de orçamento e uma equipe extremamente competente.

A invasão dos vampiros que bebem água com açúcar

Os vampiros são figuras míticas do folclore mundial que nos fascinam há séculos, desde as primeiras lendas, transmitidas oralmente. A literatura e o cinema foram tomados, ao longo dos anos, por um sem número de histórias envolvendo estes personagens que se alimentam da força vital de outros, o que normalmente é representado pelo seu hábito de beber o sangue de suas vítimas. Mais do que isso, essas criaturas estão relacionadas no imaginário popular ao mistério, ao terror, ao sexo, à sedução e, principalmente ao desejo humano de resistir ao tempo e à morte, que são provavelmente os únicos limites que jamais conquistaremos.

No cinema, eles já foram explorados em centenas de filmes dos mais variados gêneros, que vão desde o clássico do expressionismo alemão Nosferatu (1922), de Murnau, à adaptações de obras literárias de sucesso, como Entrevista com o Vampiro (1994), do livro de Anne Rice, e Drácula (1992), adaptado a partir do romance de Bram Stoker sobre o mais famoso vampiro de todos os tempos. Se quiser, você pode conferir uma lista com os 70 melhores filmes de vampiros de todos os tempos, na opinião do autor, aqui.

Na televisão, tanto no Brasil quanto no exterior, os vampiros fizeram sucesso como protagonistas e antagonistas de novelas e seriados, com destaque para Buffy, a Caça Vampiros, que teve sete temporadas a partir de 1997 e ainda gerou spin-offs.

Mas os executivos responsáveis por produzir conteúdo para televisão e cinema operam na lógica capitalista moderna, que tem como um de seus pilares proteger seus investimentos através da busca do máximo de lucro com o mínimo de risco. Os públicos de TV e cinema diminuem. Assim, todos querem atingir os adolescentes, que são quem mais consomem produtos audiovisuais. Para Hollywood, em particular, isso significa atingir a 'mágica' classificação PG-13 no mercado norteamericano.

É evidente que histórias de vampiros vendem. O mistério, o sobrenatural vendem, são lucrativos. Mas a violência, o sexo e as questões morais complexas que acompanham estes personagens impedem os executivos de lucrar mais se arriscando menos. A solução é óbvia: adaptar obras que fizeram sucesso e que, de um jeito ou de outro, abandonaram as questões controversas que incomodam uma sociedade cada vez mais conservadora. Se deixa de lado o sangue, o terror, a sexualidade, as implicações morais do ato de se alimentar da vida de alguém até que não reste mais nada além de um romance adolescente devidamente reprimido que, com a dose certa de publicidade e o casting adequado, vai arrebatar adolescentes ao redor do mundo, garantindo os lucros exorbitantes dos investidores de filmes como esses da saga Crepúsculo. E, pela lógica do capitalismo e do consumo, quando um produto faz sucesso, o mercado é inundado por similares que geralmente conseguem ser piores do que o original, como essa série que a Warner exibe agora, Diários de Vampiro.

Como nem tudo está perdido, ainda há quem encontre espaço para produzir livros, filmes e séries com a verdadeira essência dos vampiros, ou ainda com uma visão original que consiga preservar os dilemas que permeiam o universo de homens e mulheres imortais que pagam um alto preço por esse dom. True Blood, seriado da HBO americana, encontrou nos livros de Charlaine Harris material rico e não se absteve de levar para as telas questões morais, sociais e políticas de forma tão adulta e crua, que é recomendado para maiores de 18 anos. Mesmo assim, faz enorme sucesso. Daybreakers (2010) aposta no gênero sci fi e parece propor a inversão de alguns paradigmas pra trazer algo de novo para as histórias de vampiros sem abandonar seus conceitos básicos, ainda que seja um blockbuster. Estreia ano que vem. Vamos esperar. Por fim, o aclamado sueco Deixe Ela Entrar (2008), de Tomas Alfredson, baseado no livro e com roteiro de John Ajvide Lindqvist, é um dos mais belos filmes que vi nos últimos tempos. Em cartaz nos cinemas, é simplesmente imperdível. Nem seria justo falar desse filme sem dedicar um post inteiro a ele.

Por isso, nesse final de semana, mesmo que não seja possível compará-los, se quiserem ver um filme sobre vampiros, vão conferir o sueco e, por favor, evitem os filmes de vampiros que se alimentam de água com açúcar, que me assustam muito mais do que os de verdade.

Lost In Translation

Peguei emprestado o título do excelente filme de 2003 da diretora e roteirista Sofia Coppola para contar um pouco do processo de adaptar Retrato de Família para uma língua estrangeira.

A adaptação desse roteiro de drama no qual já venho trabalhando há um tempo faz parte de um plano para tentar encontrar algum espaço no mercado internacional que, apesar de muito mais concorrido, tem também muito mais oportunidades.

O primeiro passo para iniciar esse trabalho foi olhar para a história como um todo e identificar nela o que precisaria ser modificado numa transposição para uma realidade estrangeira. Americana, no caso. Facilitou muito o fato desse drama ser basicamente uma história universal sobre a culpa e a perda. Uma história essencialmente humana que poderia se passar em qualquer lugar do mundo.

Depois, comecei a escrever, do zero, em inglês. O que parecia ser o mais difícil, os diálogos, acabaram vindo naturalmente. É claro que os personagens são pessoas comuns e isso ajuda bastante. Nada de intelectuais de vocabulário rebuscado ou o palavreado técnico típico de uma carreira científica, por exemplo. Se estima que o vocabulário que a maioria das pessoas utilizam para se comunicar verbalmente representa uma pequena fração das palavras existentes em uma dada língua. Talvez isso e o fato de já ter assistido tantos filmes e seriados expliquem essa grata surpresa.

Mas, como o título do post sugere, nem tudo são flores nesse processo. Assim como ocorre com os personagens de Bill Murray e Scarlett Johansson em Lost In Translation, a sensação de vazio e de solidão por vezes toma conta. Acho que é inevitável quando se está escrevendo em uma língua estrangeira, ainda que você esteja cercado de dicionários e ferramentas para apoiá-lo nessa tarefa. O que parecia ser fácil, as descrições de cena, acabaram se revelando um tremendo desafio. Isso porque, apesar de a prosa audiovisual ser enxuta e estritamente visual, de vez em quando a palavra mais interessante falta, a melhor construção escapa. Não é que não haja palavras no meu vocabulário, ou referências e regras para a construção gramatical adequada. É que, versátil como poucas, a língua inglesa permite ao interlocutor uma miríade de opções na hora de formar orações e sentenças. E é preciso fluência, experiência e sensibilidade na hora de escolher a forma mais elegante e instigante de descrever algo tão simples quanto alguém que se levanta de sua mesa e atravessa um ambiente.

Aos poucos, eu chego lá.

Crítica:: Besouro se esquiva das armadilhas

Quando assisti pela primeira vez o trailer de Besouro, fiquei extremamente empolgado com a qualidade visual do filme, que conta com a bela fotografia de Enrique Chediak, e claro, com as cenas de luta de capoeira, coreografadas por Hiuen Chiu Ku (O Tigre e o Dragão, Kill Bill). Fui à pré-estreia com uma grande expectativa em relação ao filme. Para a minha surpresa, o primeiro longa metragem do premiado diretor de filmes publicitários João Daniel Tikhomiroff, que já conquistou 11 Leões de Ouro no Festival Internacional de Filmes Publicitários de Cannes, é mais do que isso.

Desde o princípio, o diretor estabelece um diálogo com o espectador através do bem pensado uso da câmera em primeira pessoa e da narrativa pouco linear. Assim, ele constroi um clima que contribui para a espécie de fábula que vai sendo contada em imagens. O simbolismo com os elementos da capoeira e dos orixás do candomblé, materializados por elenco e departamento de arte competentes, contribuem para fazer você entrar no filme, assim como a bela trilha musical com participação de Gilberto Gil e Nação Zumbi.

O elenco todo vai bem e os atores que representam os antagonistas se destacam. Irandhir Santos está irrepreensível como Noca de Antônia, assim como Flávio Rocha, no papel do Coronel Venâncio. Jéssica Barbosa e Anderson Santos de Jesus estão ótimos como Dinorah e Quero-quero, esse último ganhando força ao longo da trama. Aílton Carmo teve um grande desafio. Besouro é um personagem difícil de interpretar, com poucas falas e muitos momentos de introspecção. Mesmo assim, ele dá conta do recado e consegue dar veracidade e profundidade às ações do capoeirista.

A história começa com informações importantes na narração de Milton Gonçalves que ficam redundantes com o uso das cartelas. A trama se inicia num ritmo mais lento e arrastado, mas depois engrena e prende o espectador na poltrona até o final da projeção. Em muitos momentos e em especial no clímax, o diretor opta por uma não-linearidade narrativa que é interessante para a obra, mas que corre o risco de perder uma audiência menos atenta às sutilezas do filme.

As cenas de luta são um capítulo à parte. São as mais bem coreografadas, dirigidas e fotografadas que eu já assisti no cinema nacional. As opiniões de capoeiristas experientes sobre como o filme mostra sua arte foram muito positivas. Na que pra mim é uma das melhores cenas do filme, Besouro e Dinorah fazem um jogo absolutamente delicioso num contexto de sedução e cumplicidade que é emoldurado pela capoeira. Um momento lindo que será melhor apreciado por quem está familiarizado com alguns dos rituais e tradições dessa mistura de arte marcial com dança, música e expressão cultural considerada hoje patrimônio nacional.

Besouro consegue ser genuinamente brasileiro sem ser folclórico demais, um erro recorrente no cinema nacional. Tem ação sem abandonar as sutilezas e transmite uma mensagem sem ser político ou hermético. Seus criadores parecem ter conseguido se esquivar de todas essas armadilhas para produzir um bom filme.

Você pode acessar o site oficial aqui e assistir o trailer de Besouro abaixo:

Na ponta da cadeia

O discurso de produtores, roteiristas e diretores presentes no RioMarket está afinado: precisamos de mais filmes de sucesso para fortalecer o cinema nacional. E para isso, não existe fórmula secreta. O que faz diferença é um produto de qualidade. E no caso do cinema e do audiovisual em geral, isso começa invariavelmente com uma boa história. Sem um bom roteiro, nem o mais talentoso dos diretores é capaz de fazer um bom filme.

É aí que surge parte do problema do mercado cinematográfico nacional: é difícil encontrar boas histórias. Não é que não tenhamos roteiristas competentes ou talentosos. Muito pelo contrário, temos excelentes profissionais e poucas oportunidades. Isso porque, segundo representantes das maiores produtoras do cinema nacional, eles estão estrangulados financeiramente. Por isso, sobram poucos recursos para investir no desenvolvimento dos projetos, o que faz com que roteiros crus e, em alguns casos, até mesmo roteiros ruins cheguem aos cinemas brasileiros, o que é ajudado, em parte, por conta de uma política de incentivos que, durante muito tempo, não deu nenhuma importância aos resultados nas bilheterias.

Depois que um projeto se inicia, custa muito caro abandoná-lo, mesmo que aquela história não vá render tanto quanto deveria. Do mesmo modo, custa muito caro pros produtores, na atual situação, bancar o desenvolvimento dos projetos durante um grande período de tempo. Um roteiro de cinema é como uma pedra preciosa, que tem que ser lapidado até chegar ao ponto de ser filmado. Isso demanda tempo e profissionais de qualidade. E esses dois fatores custam dinheiro.

Outra questão é que, sem a devida atenção aos roteiristas, fica mais difícil formar novas gerações de profissionais especializados nesse segmento da indústria cinematográfica. E parece estar bem claro para todos os envolvidos que precisamos cada vez mais desses profissionais.

Só pra se ter uma ideia, um dos palestrantes do RioSeminars citou o cinema americano como exemplo de desenvolvimento de projetos. Lá, para cada filme que chega aos cinemas, os grandes estúdios desenvolvem, em média, 50 projetos. É claro que essa peneira ainda deixa passar roteiros de qualidade duvidosa, mas certamente contribui para o sucesso comercial da cinematografia dos EUA no resto do mundo.

Ainda falando em números, uma rápida consulta ao site da WGAW (Writers Guild of America - West), um dos dois sindicatos que regulam a profissão de roteirista naquele país, permite verificar que no ano de 2008, 1.716 roteiristas declararam ter trabalhado nos 610 filmes lançados nos EUA naquele ano. No Brasil, em 2007, segundo dados da ANCINE (os de 2008 ainda não estão no site), 78 longametragens chegaram às salas de cinema. A ARTV (Associação Brasileira de Roteiristas Profissionais de TV, Cinema e outros Meios de Comunicação) tem cerca de 100 associados. Mesmo não sendo obrigatório ser filiado à ARTV ou ao STIC (Sindicato dos Trabalhadores da Indústria Cinematográfica) para trabalhar na área, não acredito que esses 78 filmes tenham empregado mais que 150 roteiristas no ano de 2007.

Numa indústria, temos empregados especializados em funções definidas. Essa é a base dos modernos sistemas de produção e agora o audiovisual brasileiro parece estar começando a se preocupar com isso. Todos almejam fazer produtos de qualidade para obter o desejado sucesso comercial, o que é louvável. Para isso, é preciso investir na ponta da cadeia produtiva, no profissional que entrega aos seus companheiros a matéria prima com a qual bons filmes são feitos. Sem investir no desenvolvimento de roteiros, é impossível criar uma indústria audiovisual forte e saudável no Brasil. Ou, na minha opinião, em qualquer outro lugar do mundo.

PS.: O site da ARTV tem um texto de interesse sobre o assunto tratado por esse post. Clique aqui para acessar.

Precisamos de cinema pipoca

Estive na última semana envolvido com o Festival do Rio. Quase não assisti a nenhum filme, mas procurei participar ativamente do RioMarket, o evento paralelo que discute negócios e o mercado do audiovisual nacional e internacional. Acho de fundamental importância discutirmos o cinema brasileiro para que possamos construir um futuro melhor para ele e, por tabela, para nós, profissionais da área.

Os três primeiros dias do evento foram abertos a quem se inscrevesse com antecedência pela internet e, para minha surpresa, estavam relativamente vazios.

O primeiro dia teve como tema o financiamento do audiovisual, com destaque para a apresentação do presidente da ANCINE, Manoel Rangel. Ele descreveu com muito eloquência o panorama do mercado brasileiro atual e, principalmente, demonstrou ter visão de pra onde ir a seguir. Foi muito interessante também a apresentação do Rio Audiovisual, um ambicioso programa de revitalização e incentivo a audiovisual carioca, parceria da Secretaria de Cultura do Estado e de uma renovada RioFilme, sob o comando do competente Sérgio Sá Leitão.

O segundo dia trouxe representantes de duas das maiores produtoras nacionais, a Conspiração Filmes e a Total Entertainment, além de Paula Lavigne, uma produtora independente de peso no cenário nacional. Eles se revezaram para falar dos filmes de sucesso no Brasil nos últimos anos. O sábado ainda contou com uma mesa intermediada por Rodrigo Fonseca, em que Mariza Leão, produtora e roteirista, e René Belmonte, roteirista, falaram sobre escrever filmes de sucesso no Brasil.

O terceiro dia foi mais voltado para a televisão, com representantes da Globo e da Record discutindo como escrever o que o espectador quer ver e como produzir sucessos de audiência. Destaque para a presença de Roberto Farias, híbrido de cineasta e homem de TV, segundo palavras do próprio.

O que ficou desses primeiros dias de discussão é que, se quisermos ter uma indústria cinematográfica auto-sustentável e saudável, capaz de produzir em quantidade e qualidade e de absorver a mão de obra disponível no mercado, temos que investir em filmes que tragam retorno financeiro. É reinvestindo esses recursos no mercado que iremos transformar a realidade atual. Precisamos de filmes de sucesso. Precisamos de blockbusters.

PS.: A fotografia que ilustra o post é da galeria do Festival do Rio no Flickr. Lindas fotos. Confiram.

Crítica:: O curioso caso do Curioso Caso de Benjamin Button

De fato esse filme é algo estranho. Após assistí-lo, me peguei ponderando como pode um filme ser bom e ao mesmo tempo não agradar. A premissa da história, alguém que nasce velho e rejuvenesce até morrer é original, traz um elemento fantástico, é intrigante. No entanto, quando você assiste a todos os longos 166 minutos do filme percebe que essa premissa não se mostra capaz de sustentar o belíssimo filme de David Fincher por todo esse tempo.

Fincher de fato realizou um filme estética e tecnicamente perfeito. Muita gente dizia que era um filme com cara de ganhador de Oscar. Certamente o filme fez por merecer os três Oscars que ganhou: Melhor Direção de Arte, Melhor Maquiagem e Melhores Efeitos Visuais. Isso sem mencionar uma outra dezena de indicações para o prêmio máximo da Academia. Destaco a fotografia do chileno Claudio Miranda, que é belíssima, um exemplo do melhor da capacidade técnica de um fotógrafo.

David Fincher faz um bom trabalho como diretor e o elenco é de primeira. Brad Pitt (indicado ao Oscar de Melhor Ator) está impecável e atua com uma naturalidade tal que você esquece que é um ator na tela. Cate Blanchett é uma grande atriz e tem uma qualidade rara no ramo: consistência. Não importa se é o drama mais profundo ou a aventura mais superficial, ela consegue sempre uma boa atuação. Taraji P. Henson, que interpreta Queenie, a mãe adotiva de Benjamin, também esteve excelente e mereceu a indicação como Atriz Coadjuvante. Se fosse um ano menos concorrido, talvez tivesse até ganho.

OK. Então o que é que falta ao filme? O que sobra em forma, falta um pouco no conteúdo. Apesar de também ter sido indicado ao Oscar de Melhor Roteiro Adaptado, O Curioso Caso de Benjamin Button tem um roteiro que não está a altura do restante do filme, na minha opinião. Não que o o roteiro do premiado Eric Roth (o mesmo de Forrest Gump) não seja bom. Como disse antes, a premissa, o fato que move a história, adaptada de um conto da década de 1920 de F. Scott Fitzgerald, é muito bom. Quem é que nunca se perguntou como seria ter a energia de um jovem após viver uma vida inteira, ou a sabedoria de um velho para evitar os tropeços da juventude? Mas o fato é que, ao longo de duas horas e quarenta e seis minutos de filme, são poucas as vezes em que você vê o fato de Benjamin Button estar vivendo a vida ao contrário realmente ter um impacto na trama, no desenrolar dos acontecimentos. No original, há mais conflito, mais crítica social e à natureza humana. No conto, Button nasce velho mental e fisicamente e regride em ambos os aspectos enquanto no filme há uma dicotomia entre os dois: ele é uma criança em um corpo de velho e um velho no corpo de uma criança. O filme acaba sendo então uma enorme biografia de um homem com uma peculiaridade e um grande romance entre Benjamin e Daisy, cheio de encontros e desencontros. Por último, usar a tragédia do furacão Katrina em Nova Orleans como pano de fundo para o presente da história, contada através de flashbacks, foi forçar a barra pra ganhar a simpatia do público americano (e talvez da crítica).

O Curioso Caso de Benjamin Button não deixa de ser um bom drama, mas a sensação que eu tenho é de que poderia ser muito mais.

Outras opiniões +

'O Curioso Caso': Brad Pitt em fábula para todas as idades (Tom Leão - Blog do Bonequinho)

Brad Pitt vive de trás para frente em 'O Curioso Caso de Benjamin Button' (Débora Miranda - G1)

'O Curioso Caso de Benjamin Button' vai da fantasia ao drama (Neusa Barbosa - Cineweb)

'O Curioso Caso de Benjamin Button' (Angélica Bito - Yahoo! Cinema)

Signs

Eu cresci, como a maioria das pessoas da minha geração, assistindo a filmes. Posso dizer sem sombra de dúvida que eles fazem parte de quem eu sou. Assisti incontáveis filmes no cinema, na Sessão da Tarde, em vídeo... a maioria de Hollywood.

O cinema americano adora (e quem não adora?) histórias de amor. Especialmente se elas forem inusitadas e tiverem finais felizes, como o curtametragem logo acima. Signs não é um filme americano. É um curtametragem dirigido por um australiano, Patrick Hugues. O filme é bem bolado, começando pelo título, que na tradução significa tanto sinais quanto placas (assista e você vai entender a relevância dessa brincadeira com o duplo sentido da palavra). A direção e a fotografia são boas. Mesmo. A trilha, a direção de arte e o roteiro são ótimos e o mais importante é que no final, depois de muitas risadas e alguns suspiros, você acaba com o coração amolecido (se não ficou, por favor verifique se você ainda tem um).

Fico pensando quanto da nossa maneira de ver os relacionamentos amorosos e das nossas idéias de romance foram plantados e são mediados pelo cinema de Hollywood. Fico pensando em como a nossa subjetividade é construída pela cultura que consumimos. Fico pensando se histórias tão bacanas como essa acontecem na vida real. Fico pensando se elas também terão um happy end, como aquele de quase todos os filmes hollywoodianos. Fico pensando que não há uma janela diante da minha, só um muro de concreto.

PS.: Assisti a Signs através do Massa Cultural, um ótimo blog sobre diversidades.

Pirate Bay:: Os downloads vieram pra ficar

Hoje os quatro responsáveis pelo site Pirate Bay, onde usuários trocam arquivos de todo tipo através do protocolo torrent, foram condenados a um ano de prisão cada por facilitarem a infração de direitos autorais. Eles ainda foram condenados a pagar uma multa de US$ 3,6 milhões aos estúdios de cinema e gravadoras, valor quatro vezes menor do que o pleiteado pelas empresas. Ainda cabe apelação e os advogados que representam os réus garantem que levarão o caso à suprema corte da Suécia se for preciso.

O veredicto não chegou a ser uma surpresa, uma vez que o site vem sendo investigado pelas autoridades suecas há mais de dois anos. Mesmo assim, muitos especialistas esperavam que eles fosse ser obrigados apenas a pagar uma multa e retirar a página do ar.

O fato é que a expectativa em torno desse julgamento dizia respeito a muito mais do que o Pirate Bay em si. Se esperava que, caso a decisão fosse mais favorável ao site de troca de arquivos, isso estabeleceria um novo paradigma, ou melhor, a legitimação de algo que já acontece em larga escala. Não foi o que aconteceu. Com todos os holofotes voltados para o julgamento, a pressão dos grandes conglomerados foi grande e o resultado se pode ver pelo veredicto, após dois meses de julgamento.

De qualquer forma, duvido muito que os sites que congregam torrents deixem de existir. O compartilhamento de arquivos veio para ficar e acredito que em vez de perseguir desenvolvedores e administradores de websites que não lucram com isso, a indústria do entretenimento deveria estar preocupada em encontrar um novo modelo de negócios que a possibilite continuar lucrando e existindo, sem ignorar a nova realidade onde os arquivos digitais não tem fronteiras e onde os direitos autorais terão de ser revistos. Ao menos da maneira como os entendemos hoje.

Certa vez ouvi uma palestrante, representante de uma das maiores produtoras do Brasil, afirmar que a indústria do entretenimento se baseia na compra e venda de permissões para o consumo de algo protegido pelos direitos autorais. Mas o que acontece quando esses produtos estão disponíveis em larga escala? Mais ainda... o que acontece quando estão disponíveis em larga escala, de graça e onde quer que você esteja? Não há como controlar a informação. Na era da world wide web ela é livre e se essas empresas não se reinventarem logo, estarão perdidas.

Não pensem que esse desespero da indústria é novidade. A televisão não matou o rádio. O vídeo cassete não matou o cinema. E os downloads (legais ou não) certamente não acabarão com a indústria do entretenimento.

Quero deixar claro que sendo eu mesmo um roteirista e tendo me formado em cinema, entendo perfeitamente todos os (enormes) custos envolvidos em fazer cinema, em produzir um conteúdo audiovisual. Para a produção de um longametragem, por exemplo, é necessário o trabalho de centenas de profissionais extremamente capazes, dedicados e com talentos específicos que merecem ser bem pagos para fazer o que fazem. Isso além dos custos com logística, equipamento, publicidade, etc. Acredito que é possível encontrar novas maneiras de fazer seus produtos chegarem ao consumidor. Não há como obrigar o consumidor a continuar consumindo os seus produtos da mesma maneira se a cultura, o mundo, os paradigmas mudaram. A maneira de consumir entretenimento não é mais a mesma e isso é irrefutável.

Na minha visão pessoal, a pirataria que é nociva e que deveria ser combatida com muito mais empenho, é aquela que rouba conteúdo antes mesmo que ele saia das salas de edição ou dos cinemas e as coloca em bancas do camelô, onde o objetivo não é compartilhar, e sim a obtenção de lucros que irão alimentar quadrilhas criminosas cujas atividades envolvem, além da pirataria, tráfico de drogas, de armas e outros ilícitos. Mas, voltando a questão dos downloads ilegais, como é muito difícil localizar e responsabilizar os uploaders, que disponibilizam os conteúdos no sites de torrent e que são, em última instância, aqueles que infrigem as leis de copyright as empresas foram atrás dos sites e das ferramentas (alguém aí lembra do Napster?). Acredito que, se os administradores do Pirate Bay foram corresponsabilizados pela infração de direitos autorais, então talvez os executivos das fábricas de armas de fogo devessem ser acusados como cúmplices em todos os assassinatos nos quais elas foram ferramentas indispensáveis.

PS.: A Revista Trip publicou há algum tempo, um artigo muito interessante traçando um perfil dos uploaders de conteúdo. Clique aqui para ler. Vale a pena, pra enteder melhor.

"Estômago" e "Meu Nome Não é Johnny" são os maiores vencedores em noite de prêmio da ABC

Estômago, de Marcos Jorge, levou o prêmio de Melhor Longametragem de Ficção no Grande Prêmio de Cinema Vivo, organizado pela Academia Brasileira de Cinema. O filme ainda faturou a eleição para Melhor Filme segundo o voto popular.

Em noite de tapete vermelho no Rio de Janeiro, Estômago levou ainda outros três prêmios: Melhor Diretor (Marcos Jorge), Melhor Roteiro Original (Cláudia da Natividade, Fabrízio Donvito, Lusa Silvestre e Marcos Jorge) e Melhor Ator Coadjuvante (Babu Santana). O filme obteve 14 indicações no total, assim como Meu Nome Não é Johnny, do diretor Mauro Lima. Esse longa faturou seis prêmios no total: Melhor Montagem, Som, Trilha Sonora Original, Atriz Coadjuvante (Julia Lemmertz), Roteiro Adaptado (Mariza Leão e Mauro Lima) e Melhor Ator (Selton Mello).

A coprodução internacional de Fernando Meirelles, adaptação do romance de José Saramago para as telas, Ensaio Sobre a Cegueira, foi indicado a 13 troféus e venceu nas categorias mais técnicas: Melhor Direção de Arte, Melhor Direção de Fotografia (César Charlone, que curiosamente ainda concorreu com O Banheiro do Papa na mesma categoria), Melhor Efeitos Visuais e Maquiagem. Na minha opinião, o filme é realmente tecnicamente impecável.

O prêmio de Melhor Atriz foi merecidamente para Leandra Leal, por Nome Próprio, que ainda concorreu a Melhor Roteiro Adaptado.

Ao todo, mais de mil profissionais foram indicados nas 22 categorias (confira a lista com todos os premiados aqui) entre cineastas, técnicos e atores, que trabalharam nas mais de 100 produções lançadas no ano de 2008. Você pode conferir todos os indicados no site da Academia Brasileira de Cinema.

Esse tipo de iniciativa é de extrema importância para o fomento e a manutenção de uma indústria cinematográfica brasileira sólida e próspera.

Parabéns aos vencedores e parabéns à Academia Brasileira de Cinema.

Abaixo o amor, viva as boas surpresas

Calma, não perdi as esperanças de encontrar o amor não. É que eu assisti mais uma vez Abaixo o amor ontem. Eu já tinha assistido esse filme de 2003 uma vez em DVD há algum tempo atrás e, para minha surpresa, tinha gostado muito. Um filme que tinha tudo pra ser bem água com açúcar, me surpreendeu.

O roteiro não tem grandes surpresas, mas é redondinho, bem construído, tem bons diálogos e momentos espirituosos. O filme conta a história de Barbara Novak (Renée Zellweger), uma escritora feminista que se envolve com o jornalista playboy pegador (literalmente, no nome) Catcher Block (Ewan McGregor). Preciso dizer que os dois acabam se apaixonando apesar de serem completamente diferentes? Pois é. O casal de protagonistas tem boa química e suas atuações são cheias de humor. O elenco ainda conta com David Hyde Pierce (o eterno Dr. Niles Crane de Frasier), que interpreta o atrapalhado chefe e amigo de Catcher. Na categoria olha, esse cara tá nesse filme!, ainda temos Timothy Omundson, o policial ranzinza de Psych, fazendo uma pequena ponta entre os homens da editora que publica o livro de Barbara.

A história se desenrola na década de 60 e o filme não apenas representa aquela época, mas também se utiliza dos meios de fazer cinema daquela época para compor algo bastante original em termos de estética. As cenas de carro, por exemplo, foram feitas com o uso de projeção em backdrop, exatamente como se fazia na época. As transições entre uma cena e outra, o uso do split screen nas conversas telefônicas também são característicos dos anos 60. Esse recurso, aliás, é usado com criatividade e rende uma das melhores sequências do filme na minha opinião, quando Barbara e Catcher interagem através da tela dividida numa cena que sugere o ato sexual e que termina com os dois desligando o telefone, deitados no chão, e acendendo um cigarro cada um. A direção de arte é um dos maiores acertos do filme, especialmente nos cenários fantásticos que parecem realmente ter saído do túnel do tempo e dos figurinos, que não só compõem os personagens, mas são utilizados como elementos de cenas e rendem até momentos engraçados.

Enfim, Abaixo o amor é sim água com açúcar e pode até ser açucarado, mas definitivamente não é aguado. Apesar de se utilizar de clichês, o faz com inteligência e bom humor. É um filme ágil e divertido, ótimo pra ver de coração partido (e dar uma levantada no astral) ou à dois (e rir juntos dos pobres mortais que ainda correm atrás desse negócio complicado que é o amor), de preferência com um balde de pipoca.

Crítica:: No lugar certo, na hora certa

O que faz um filme independente, rodado na Índia com um orçamento de US$ 15 milhões ganhar 8 Oscar, incluindo o de Melhor Filme?

A: O filme é muito bom.
B: Seus adversários eram fracos.
C: O filme é muito original.
D: Estava escrito.

O filme de Danny Bolyle conta a história de Jamal Malik, um jovem indiano que cresceu nas favelas e nas ruas e que, ao chegar à última pergunta da versão indiana de Quem quer ser um milionário? (título do filme em português), é acusado de trapacear e preso. Durante o interrogatório, ele começa a revelar a história de sua infância pobre compartilhada com seu irmão Salim e o amor de sua vida, Latika, e como essas experiências e a incessante busca dele para encontrá-la e viver o seu destino forneceram as respostas que precisava para chegar até ali.

O roteiro adaptado (ganhador do Oscar) de Simon Beaufoi, baseado no romance bastante original de Vikas Swarup é interessante e instigante. Mostra uma Índia pobre, dura, violenta e mesmo cruel sem, no entanto, endurecer e afastar o espectador como acontece com muitos filmes que trilham esse caminho. Ao contrário, nos importamos com o destino dos personagens até o final. As idas e vindas no tempo que servem pra explicar o porquê de Jamal saber as respostas despertam a nossa curiosidade e renderam ao filme um Oscar de Melhor Edição, mas começam a cansar, deixando o filme um pouco previsível depois de algum tempo.

Para compor esse quadro da periferia indiana, a fotografia (ganhadora de Oscar) é bastante crua, se utiliza da iluminação ambiente (aparente ou verdadeira) e propõe enquadramentos pouco usuais que funcionam muito bem e agradam a quem gosta de ver algo que fuja do mainstream. É inegável o paralelo entre a estética visual de Cidade de Deus e Quem quer ser um milionário?, mas não acho que isso seja um ponto importante de discussão.

A música (Oscar) e o som (outro Oscar) são excelentes, ajudam a criar o clima e envolver o espectador naquele universo tão particular, e tão distante para a maioria dos que assistiram o filme fora da Índia. A música dos créditos finais (sim, mais um Oscar) é realmente excelente e o design dos mesmos não deixa por menos. Já a dança ao melhor estilo Bollywood, eu dispenso, questão de gosto mesmo.

As atuações do elenco são ótimas e trazem consigo uma carga, imprimem um grau de realismo, que só os não-atores conseguem colocar na tela. Não porque não existam bons atores. É que as situações descritas em muitas das cenas do filme simplesmente estão além de qualquer coisa que possa ser imaginada ou incorporada por um ator.

A direção de Danny Boyle (Trainspotting, A Praia) acerta na maior parte do filme. Mas também erra. Essa seria a minha principal crítica em relação ao longa. Premiado com os Oscar de Melhor Direção e Melhor Filme, Quem quer ser um milionário? é muito bom, mas peca pela falta de constância. Há momentos maravilhosos, onde se vê um esmero do diretor e há momentos que definitivamente não pertencem a um filme que ganhou esses dois prêmios. Por vezes, há construções que alternam uma poesia visual fantástica com elementos tão ordinários que chegam a saltar aos olhos. O filme é muito bom, mas não é espetacular.

Em suma, o longa se confunde com o próprio Jamal Malik, o próprio favelado milionário (no título original, Slumdog Millionaire), que acredita no amor, no destino, supera todos os obstáculos e vence. Por quê? As três primeiras respostas à pergunta do início do post não estão incorretas. Mas, como no filme, eu vou ficar mesmo com a letra D.

And that's my final answer.

Outras opiniões +

Quem quer ser um milionário (Ana Al Izdihar - Amálgama)

Quem quer ser um milionário (Celso Sabadin - Yahoo! Cinema)

Bonequinhos divididos para Quem quer ser um milionário? (André Miranda & Marcelo Janot - Blog do Bonequinho)

Quem quer ser um milionário (Rodrigo Carreiro - Cinereporter)

É Tudo Verdade. Sério.

Começa hoje, 25/03, em São Paulo e amanhã, 26/03, no Rio de Janeiro, o festival É Tudo Verdade. Na 14a. edição, o festival internacional de documentários é o principal evento dedicado exclusivamente à cultura do documentário na América do Sul, com exibição anual de cerca de uma centena de não-ficcionais brasileiras e internacionais.

Entre os destaques, está Garapa, o novo projeto do diretor José Padilha (Ônibus 174, Tropa de Elite), que conta a história de três famílias no Ceará e sua luta para superarem a a falta de comida e a miséria. O longa, rodado em 35mm, de 110 min, vai ser exibido no Unibanco Arteplex no sábado, 28/03, às 20:00 e na quarta, 01/04, às 16:00.

Outro grande destaque é O Equilibrista, vencedor do Oscar 2009 de Melhor Documentário. Dirigido pelo britânico James Marsh, o filme conta a história do equilibrista francês Philippe Petit (foto que ilustra o post), que desafiou as autoridades americanas ao se equilibrar numa corda bamba entre as Torres Gêmeas do WTC, em 1974. Você pode conferir o filme de 94 min em uma única apresentação no Cinemark Downtown, na quinta 02/04, às 19:30.

Vale a pena esses e outros filmes desse importante gênero do cinema, que recuperou força nos últimos anos com obras que fizeram sucesso, como A Marcha dos Pinguins, Uma Verdade Inconveniente, Super Size Me e Tiros em Columbine, entre outros.

Cinema:: Mão na massa e olho na câmera

Com o fim das filmagens de Lula, o filho do Brasil, provavelmente vamos começar a pré-produzir o roteiro escrito por mim e pela Lulu Telles para o Fábio Barreto, o Bodas de Seda.

É uma produção simples, com apenas uma locação, e com um orçamento modesto. Por isso mesmo, a expectativa é iniciar as filmagens ainda em Abril. Acredito que o mais difícil vai ser conciliar as agendas de um elenco principal tão numeroso.

Mas vamos lá, o negócio é meter a mão na massa e correr atrás.

Roteiro:: Boa sorte, Zeca.

Esse foi o primeiro nome do pseudônimo sob o qual inscrevi o Retrato de Família, roteiro no qual venho trabalhando desde o final do ano passado, no edital para desenvolvimento de roteiros de longametragem do Ministério da Cultura.

O edital pede na verdade o envio de um projeto e, em caso de aprovação, disponibiliza uma verba de R$ 50.000 para que o roteirista desenvolva o seu roteiro num prazo de sete meses. O mais interessante é que apesar do patrocínio, o roteirista mantém os direitos integrais sobre sua obra, sendo apenas obrigado a mencionar o incentivo do governo federal nos créditos do filme, caso esse venha a ser realizado.

Após alguns meses trabalhando no roteiro, finalmente consegui concluir uma escaleta que me agrada, o que foi um tremendo quebracabeças. Em breve vou começar a escrever o primeiro tratamento do roteiro. É curioso olhar os primeiros arquivos de trabalho e anotações sobre esse projeto e notar como ele se transformou desde então. Personagens surgiram, outros foram excluídos ou ganharam importância que não tinham. Fico feliz de estar desenvolvendo um processo mais orgânico de trabalho, menos linear, menos engessado naqueles moldes que vemos na teoria e que, quando usados com parcimônia, são essenciais para nos nortear e estruturar. Norte e estrutura são fundamentais num roteiro, assim como a disciplina e o trabalho duro, mas não servem de nada sem criatividade, inspiração e uma dose de liberdade.

Em breve escrevo outro post com uma breve sinopse da história.

Crítica:: Who watches the Watchmen?

I do!

Como apreciador de quadrinhos e ex-adolescente nerd, eu havia lido a graphic novel há uns bons doze anos, e por isso, fui conferir a estreia da aguardada, disputada e conturbada adaptação da obra do fantástico Alan Moore para os cinemas.

Polêmicas a parte, o filme é muito bom. Com o relativo sucesso de 300 e uma boa dose de personalidade, Zack Snyder conseguiu convencer os executivos que ser fiel à graphic novel seria o melhor caminho a seguir. E foi. O roteiro é na verdade uma mera adaptação e condensação da brilhante obra de Moore, que decepcionado com Hollywood, abriu mão de todos os direitos e ganhos financeiros em favor de David Gibbons, o desenhista. A trama é interessante, mas o grande mérito de Watchmen é a profundidade de seus personagens e a narrativa extremamente psicológica, que se mantiveram no filme. Apesar do final ter uma solução diferente dos quadrinhos, eu a considerei bastante elegante e mais alinhada com os dias de hoje. Me agradou, mas não vou comentar mais pra não estragar o fim do filme.

Talvez o grande mérito de Snyder enquanto diretor tenha sido mesmo defender o material original, sem ceder à maioria dos apelos do estúdio, principalmente em relação à violência e nudez presentes nos quadrinhos, numa tentativa clara de obter uma classificação mais branda para o filme e assim faturar mais uns trocados. O filme é extremamente fiel, até mesmo em alguns enquadramentos e diálogos, transpostos ipsis literis para as telas dos cinemas. Relativamente inexperiente em longametragens, ele peca por alguns excessos, preciosismos como a farta utilização de câmeras lentas, especialmente na sequência inicial, onde o Comediante trava uma luta contra um agressor misterioso. Um grande acerto de Snyder foi a maneira através da qual compilou décadas de um background indispensável para compreender o universo de Watchmen em uma sequência que apresenta também os créditos iniciais.

O elenco de rostos desconhecidos funciona bem. É difícil dar credibilidade a um super herói quando ele é a cara do Ben Affleck. Apesar das críticas, gosto da atuação de Patrick Wilson como o Coruja e de Jackie Earle Haley como o Rorschach e não tenho nada contra o Comediante de Jeffrey Dean Morgan.

É claro que tecnicamente o filme é muito bom. Fotografia, edição e todo o resto estão dentro do nível de excelência que se espera de uma produção hollywodiana que custou mais de US$ 130 milhões. Mas, ao menos pra mim, uma grata surpresa e, francamente, uma das melhores coisas do filme, é a trilha musical. Com uma seleção bastante abrangente de músicas que se encaixam perfeitamente nos vários momentos do filme em que são utilizadas, a música se destaca e ajuda a compor a obra e a criar o clima.

Em suma, Watchmen foi uma graphic novel que revolucionou o mundo dos quadrinhos na década de 80, dando uma sacudida nos arquétipos estabelecidos até então. A obra é tão influente, que foi considerada pela revista Time como um dos 100 romances mais importantes de todos os tempos. É claro que o filme jamais terá o mesmo impacto, mas é uma adaptação fiel que promete agradar aos fãs, desde que eles não sejam fundamentalistas muito radicais. Eu gostei, mas não sei se teria a mesma graça se eu não tivesse tido contato com a obra de Alan Moore antes, apesar de que os arquétipos com os quais Moore jogou há mais de vinte anos, são agora quase que de domínio público, se é que se pode usar essa expressão.

Outras opiniões +

Falta de bons atores prejudica desempenho de "Watchmen" (Mateus Potumati - G1)

As impressões de "Watchmen" (Blog do Bonequinho)